Hª DEL ARTE. CALIFICACIONES EXAMEN TEÓRICO "ROMÁNICO-GÓTICO"

García Ríos, Mariola 5.75; Marín Cordero, Rocío 4.5; Perea Mancera, Julio Alberto 6.5; Salinas Romero, Jessica H. 6.5.

Hª DEL ARTE. CALIFICACIONES EXAMEN PRÁCTICO "ROMÁNICO-GÓTICO"

García Ríos, Mariola 5; Marín Cordero, Rocío 5; Perea Mancera, Julio Alberto 5.25; Salinas Romero, Jessica H. 6.25.

4ºESO B. CALIFICACIONES EXAMEN C.SOCIALES 14/12/2007

Agüera Torres, Lourdes 5; Cordero Vergara, Patricia 5; Cotta Santos, Brenda 4; Cuenca Reina, Fátima 4.5; Domínguez Navarro, Juan Antonio 3.25; García Ponce, Julia 4.25; Garrido González, Francisco C. 5; Gómez Domínguez, Laura Mª 7; Gutiérrez Ocaña, Flores Mª 6.5; López Aranda, Isabel Mª 4.3; Luna Martín, Nicolás 5.5; Molero Trujillo, Antonia 4.25; Montero Infante, Mª Belén 4; Moreno Ruiz, Marta 3; Muñoz Taboada, Francisco Javier 5.25; Ramírez Santiago, Lucía Tania 6; Sánchez Blanco, Almudena 3.25; Sánchez Martín, Juan Miguel 5.5.

4ºESO A. CALIFICACIONES EXAMEN C.SOCIALES 11/12/2007

Agüera Aguilar, Noelia 8.25; Báez Romero, Antonio 9.25; Carrión García, Gloria Neiba 2.5; Gabor, Ovidiu-Alin 5.3; García Reyes, Marcos 7.75; Gómez Ruiz, Juan Manuel 6.25; Guerra Avilés, Mario 6.75; Hevilla Pérez, Victoria Eugenia 5.25; Lorente López, Alejandro 7.75; Martín Martín, Adrián 7.75; Moreno Miñarro, José Carlos 7.75; Moreno Moreno, Francisca Mª 4.5; Moreno Morillas, Ana 4; Rengel Gómez, Mónica 8.25; Rubio Campos, José Antonio 9; Subires Heredia, Javier 4.2; Taboada Ortega, Antonio J. 7.5; Torres Florido, José Carlos 5.5; Torres Postigo, Kevin J. 6.5; Trujillo Zambrana, Conchi 5.75

3ºESO D. CALIFICACIONES EXAMEN C.SOCIALES 13/12/2007

Ávila Díaz, Marta 6.3; Ávila González, Antonio 6.6; Carmona Zambrana, Francisco 0.6; Carrasco Aranda, Alejandro 2.9; Carrasco Carrasco, Juan Fco 5.4: Fernández Díaz, Alejandro 7.2; Gómez Osuna, Irene 0.6; González Acedo, Álvaro 1.75; González Ramos, Francisco 0.6; Martín Aguilar, Juan José 0; Martín Merino, Alejandro (no presentado); Martínez Berrocal, Pablo 3.2; Martínez Millet, Nadia Micaela 3.8; Melgar Montero, Rafael 7; Moreno Vergara, Miguel 3.5; Naranjo Postigo, Mª de los Ángeles 1.75; Ocaña Lima, Mariano Fco 8.5; Placinta, Mihaela G. 2.75; Ramos Macías, Mª Remedios 1.6; Sánchez Márquez, Juan 6.25; Vera Ávila, Francisco A. 3.8.

3ºESO C. CALIFICACIONES EXAMEN C.SOCIALES 13/12/2007

Aguilar Trujillo, Antonio 8; Aranda García, Alberto 9; Aranda García, Lidia 3.25; Carmona Aguilar, Cristina 6.75; Casermeiro Reyes, Antonia Mª 8.2; Dafnos Sánchez, Mercedes Lucía 6.8; Díaz Borrego, José Juan 8.8; Díaz Moreno, Asunción 8.25; Domínguez Sánchez, Marina 9; Escamilla Berlanga, Blanca (lo hace el próximo lunes); Fernández Jaime, Javier 5.7; García Luque, Daniel 9.3; García Ruiz, Alicia 6.4; Gómez Martínez, Aldana F. 6.1; Henares Taboada, Noemí 5.7; Márquez Lucena, Daniel A. 8; Márquez Puertollano, Eloísa Mª 9.3; Montiel Peña, Cristina 7.6; Moreno González, Yasmina 1.3; Pérez Hidalgo, Ana Belén 5.7; Robledo Lobato, Daniel 7.2; Ruiz Lobato, Francisco José 9.5; Sánchez Villalobos, Paloma 9.75

2ºBACH.B. CALIFICACIONES EXAMEN HISTORIA TEMA 8 (2ª PARTE)

Aguilar Navarro, Jorge 6.5; Aranda Carvajal, Elisabet 6; Arjona Pedroso, Mª José 6.75; Díaz Carvajal, Francisco M. 5; Fernández González, Sergio 8.25; García Ríos, Mariola 3.5; Hevilla Pérez, Mª José 6.75 Hidalgo García, Nazaret 3; Jiménez Carrasco, Deseada 5.5; Lara Montero, Raquel 6; Marín Cordero, Rocío 1; Martín-Prieto Hidalgo, Eduardo 8.5; Morales Fernández, Mario 6; Perea Mancera, Julio Alberto 6.25; Portales Galán, María 7.5; Reyes García, Antonio 7; Román Pereira, Mireia 7; Salinas Romero, Jessica H. 7.75; Taboada García, Natalia 6.75; Toro Berlanga, Francisco J. 6.5.

Hª DEL ARTE. MATERIAL DE ESTUDIO "PINTURA GÓTICA II"

PINTURA GÓTICA FLAMENCA

La pintura gótica alcanzó en Flandes (territorio de los Países Bajos) en el siglo XV la máxima perfección, como resultado de la evolución del estilo gótico internacional y algunas influencias de la Italia renacentista (relación comercial y artística entre ambos países –algunos artistas flamencos viajan a Italia-). La pintura flamenca del siglo XV ya no es plenamente gótica, sino que está a medio camino entre lo medieval y lo renacentista.

En Francia, hasta finales del siglo XIII, se desarrolló el estilo de pintura lineal (en miniaturas y murales), caracterizada por el protagonismo de las líneas delimitando claramente las figuras y el arabesco (ritmo ondulante). Se hacen muchos Libros de Horas. A principios del siglo XIV se fragua el estilo gótico internacional, al confluir la tradición francesa (estilo cortesano, lineal y ondulante) y la tradición italiana (colores intensos y vivos, mezclas, etc.). El estilo internacional domina en Europa (excepto Italia) hasta mediados del siglo XV, sobre todo en las Cortes francesas del rey de Francia (París), del duque de Borgoña (Dijon) y del duque de Berry (Bourges). Este estilo elegante, refinado, estilizado y cortesano se caracteriza por figuras onduladas con colores intensos y antinaturales, con abundancia de detalles y gusto por el lujo (los personajes visten trajes de telas ricas y complicados bordados). Esta pintura no presenta proporción espacial (sensación algo agobiante), reflejando un mundo ideal e imposible (artificiosidad). Frente a esta mentalidad cortesana, la burguesía, grupo social que empieza a crecer y adquirir importancia en regiones como Flandes, tiene un gusto más naturalista y material, cercano a lo real. La pintura flamenca del siglo XV se centra y se inspira en la Naturaleza y los modelos reales. Esta concepción natural se había alcanzado en la filosofía medieval: en el siglo XIII, la escuela escolástica de Santo Tomás de Aquino, contraria al neoplatonismo de San Agustín, vuelve a Aristóteles (cuya obra fue transmitida a través de los árabes), que da primacía a los sentidos y la experiencia para llegar a las ideas.

A principios del siglo XV ya se nota cierta influencia del naturalismo en el estilo gótico francés, pero sin llegar a ser realista. Melchor Broederlam, que trabaja en las Cortes francesas, pinta en retablos temas como La Visitación y La Anunciación; Jean Malonel pinta La Presentación de Jesús en el Templo y La Huída a Egipto; Henri Bellechose es autor del Martirio de San Dionisio, con un fondo de oro, muestra el proceso de decapitación del santo en dos escenas consecutivas. El Libro de Horas del duque de Berry, obra de los hermanos Limbourgh, es una obra maestra de la miniatura, con temas como El Encuentro de los Reyes Magos (con colores muy intensos, paisaje de fondo e intento de perspectiva), que sin duda influyó en la pintura flamenca.

En la década de 1420, la capital del Estado de Borgoña se traslada a Brujas, hecho que favoreció el desarrollo económico y artístico en Flandes. La sociedad burguesa flamenca tiene un gusto por el arte naturalista que reproduce la realidad. Se inventa la técnica de pintura al óleo sobre tabla, basada en la mezcla de pigmentos con aceite de linaza, logrando una mejor calidad y más brillo. La pintura flamenca al óleo es más nítida y mejor que la pintura de estilo gótico internacional. La pintura realista flamenca del siglo XV es coetánea a la renacentista italiana, pero es diferente. La pintura italiana está más centrada en la composición ordenada, la geometría y el volumen, mientras la flamenca es más intuitiva, basada en la reproducción de escenas realistas, pero con simbología religiosa, y el paisaje es fundamental.

Jan Van Eyck, formado en la miniatura (ilustra un libro de coros) es el gran maestro y creador del estilo flamenco. Su obra más importante es El políptico del Cordero Místico, que está en la iglesia de San Bavón de Gante. El políptico es un retablo con varias tablas: en la tabla central aparece el Cordero Místico (simboliza la Eucaristía) rodeado de ángeles, y a ambos lados se concentran grupos de religiosos, caballeros (con sus relucientes armaduras), peregrinos y otros estamentos sociales claramente diferenciados; en las tablas superiores aparecen sentados en sus tronos celestiales Cristo (como del Rey de Reyes del Apocalipsis), San Juan y La Virgen María, y en los extremos están las figuras de Adán y Eva (separados), y coros de ángeles cantores y músicos. Todas las figuras están tratadas con enorme realismo en sus rasgos físicos (aspecto de personas normales y verdaderas) y vestuarios; en el caso de Adán y Eva tenemos un hombre y una mujer totalmente desnudos, sin obviar la realidad del cuerpo humano tal como es). La calidad del miniaturista se nota en los detalles excepcionales como, por ejemplo, en la figura de la Virgen, descrita en su físico como una mujer joven, típicamente del norte de Europa, de cabellos ondulados, frente despejada, piel suave, manos delicadas, ricamente vestida de terciopelo y con joyas detalladas hasta en la más mínima perla y piedra preciosa; además, tiene un libro del que con ayuda de una lente de aumento podríamos distinguir las letras. La escena de desarrolla en un paisaje que cuenta con todos los elementos naturales (árboles, animales, cielo) incluyendo las más minúsculas flores y briznas de hierba. Es un paisaje típico de los Países Bajos, llano, con un horizonte profundo y algo nuboso donde se distinguen edificios lejanos (estos paisajes aparecerán abundantemente en la pintura flamenca, alcanzando su culminación en el Barroco del siglo XVII).
En otro retablo, La Virgen del Canciller Rollin, la escena de desarrolla en una habitación interior abierta a un nublado paisaje flamenco de fondo (con todos los detalles naturales) a través de un ventanal con arquerías y esbeltas columnas . Es una obra con cierto clasicismo, por el uso de la luz, el ambiente sereno y la disposición ordenada de los personajes, realizados con enorme realismo (impresionante el retrato del canciller), además del detallismo en el mobiliario y las baldosas del suelo. Una escena mística, donde se encuentran un personaje real y otro divino (la Virgen) se podría comprender aquí como la entrevista entre un hombre importante y una noble dama ricamente vestida con su hijo en brazos (aunque el ángel que la está coronando nos muestra la categoría divina del personaje y es lo más medieval en esta obra de arte).
Otra obra similar es La Virgen del canónigo Van der Paele, donde se repite el tema de la Virgen en un espacio interior junto a personajes de la Iglesia, un viejo sacerdote, arrodillado humildemente ante la madre de Cristo, sentada en un rico trono (todo en la habitación –telas, muebles, etc.- reluce por el lujo de sus materiales), junto a un Santo Caballero y un importante obispo.
Van Eyck cultivó el género del retrato de una manera inigualable en su época. Sus clientes principales eran ricos burgueses comerciantes. El Matrimonio Arnolfini muestra el retrato de un banquero italiano con su embarazada esposa dentro de una casa que muestra el buen nivel de vida de una pareja acomodada (incluyendo perrito faldero), y simbolismo (amor, fidelidad); un elemento curioso utilizado por el pintor como juego de perspectiva es el espejo del fondo; la luz penetra por una ventana lateral para iluminar la escena (este tipo de iluminación de interiores se repetirá en toda la pintura flamenca, alcanzando su culminación con el pintor barroco Vermeer). De los numerosos retratos pintados por Van Eyck destacan El hombre del clavel, El hombre del Turbante, incluso el retrato de la esposa del propio pintor. Todos estos personajes presentan sus rasgos físicos reales y psicológicos (el pintor capta sus personalidades mediante la expresión de las miradas y el rictus de la boca, delatando inteligencia, mal carácter, fuerte personalidad, etc.).

Roger Campin es otro pintor flamenco, de la misma época de Van Eyck, pero de inferior calidad. De sus obras destacan el Díptico de Santa Bárbara y el Tríptico de la Anunciación.

Van Der Weyden es el segundo pintor más destacado de la escuela flamenca, sobre todo por su manera de plasmar patetismo y expresión a sus obras. Su pintura es en parte una síntesis de Van Eyck y Campin, con volumen escultórico, unificando la luz y aplicando el arabesco. Van Der Weyden tuvo varios discípulos e imitadores hasta mediados del siglo XV. En sus tablas más importantes, el tema fundamental es la muerte de Cristo y el dolor de la Virgen y otros discípulos de Jesús (Piedad, Descendimiento, El Calvario), concibiendo escenarios teatrales sin paisaje, sino utilizando una especie de telón como fondo.

Petrus Christus es continuador de Van Eyck. En San Eloy (patrón de los joyeros) representa un taller donde el santo artesano trabaja (protagonismo de los gremios burgueses); aparece un espejo. En La Piedad destaca el paisaje y la línea sinuosa similar a la de Van der Weyden.

Dierick Bouts continúa el estilo de Van Der Weyden, pero menos dramático. En La Última Cena la composición es simétrica, con Cristo como eje central (la composición está bien estudiada); la perspectiva es forzada. Pinta varias tablas con temas de la Virgen (Anunciación, Visitación, Natividad y Epifanía.

Van Der Goes es el pintor más flamenco más importante del tercer cuarto del siglo XV, con obras como El Pecado Original y, sobre todo, el Tríptico Portinari, pintado por encargo de un rico comerciante italiano residente en Flandes, donde se representa el portal de Belén con muchos personajes, con los protagonistas (la Virgen, San José y el Niño Jesús –también están la burra y el buey-) rodeados por los pastores y grupos de ángeles. Lo más medieval es la desproporción de tamaño entre los personajes; en lo demás, la pintura es de gran calidad, con fondo paisajístico, naturalismo, colorido, etc.

Hans Memling pinta temas religiosos: El Juicio Final, La Pasión de Cristo, Descanso en la huída a Egipto, el tríptico de La Oración de los Reyes Magos, la arqueta de Santa Úrsula. En el tríptico del Bautismo de Cristo aparecen los retratos de los donantes.

Quentyn Metsys, ya a principios del siglo XVI, pinta escenas de género, como El cambista y su mujer, y obras religiosas (Ecce Homo, etc.).

Patinir es el primer artista flamenco que utiliza el paisaje como tema primordial (los personajes son pequeñas figuras casi perdidas en el paisaje natural): Bautismo de Cristo, Descanso en la huída a Egipto, Las tentaciones de San Antonio, San Jerónimo, La Laguna Estigia…

Jerónimo Bosch, conocido como El Bosco, es el último gran pintor gótico flamenco (finales del siglo XV y principios del siglo XVI). Es diferente a los demás por el carácter onírico y fantástico de sus pinturas, con una finalidad moralizante: La nave de los locos, La mesa de los Pecados Capitales, El carro del heno, El jardín de las Delicias. En todas estas tablas, El Bosco representa los vicios humanos, las actitudes incorrectas y los pecados que llevan a la perdición de los hombres, y también una serie de seres infernales y demonios que castigan a las almas de los condenados. Las escenas parecen sacadas de una pesadilla (animales reales y fantásticos se mezclan).

2ºBACH.B. CALIFICACIONES EXAMEN HSTORIA TEMA 8 (1ª PARTE)

Aguilar Navarro, Jorge 3.25; Aranda Carvajal, Elisabet 6; Arjona Pedroso, Mª José 4.5; Díaz Carvajal, Francisco M. 0.75; Fernández González, Sergio 9; García Ríos, Mariola 3.75; Hevilla Pérez, Mª José 2; Hidalgo García, Nazaret 0.75; Jiménez Carrasco, Deseada 5.25; Lara Montero, Raquel 3.75; Marín Cordero, Rocío 3.75; Martín-Prieto Hidalgo, Eduardo 7.25; Morales Fernández, Mario 1.25; Perea Mancera, Julio Alberto 2; Portales Galán, María 3.5; Reyes García, Antonio 2.75; Román Pereira, Mireia 5.25; Taboada García, Natalia 5.5; Toro Berlanga, Francisco J. 3.5; Salinas Romero, Jessica H. 4.25.

Hª DEL ARTE. MATERIAL DE ESTUDIO "PINTURA GÓTICA I"

PINTURA GÓTICA

La pintura gótica está influenciada por nuevas ideas distintas a las del románico. Se abre una nueva edad espiritual (San Buenaventura dijo Dios es la Luz). Hay un gran desarrollo de las vidrieras pintadas en catedrales e iglesias. En el siglo XIII ha desaparecido el terror al Fin del Mundo. El carácter de las peregrinaciones es diferente. San Francisco de Asís da gran importancia a la Naturaleza; predica la vida apartada del mundo, la dedicación a la contemplación de Cristo (sentido naturalista). Se destaca la parte humana de Cristo, un hombre que sufre (las pinturas de Cristo crucificado expresan mucho dolor). El hombre se aproxima a Dios.

En el siglo XIII también se abre una nueva era económica, basada en el auge del comercio y el crecimiento de los Burgos (ciudades). El desarrollo urbano se da más en países y regiones con factorías y mercados florecientes: los Países Bajos con su producción de paños y telas; Castilla era gran productora de lana de oveja merina (exportada a Flandes, Francia, Italia…); Borgoña destaca por sus tejidos de brocado (damasco con hilo de oro); Florencia produce tejidos ricos y paños encajados, transparentes, etc. En los centros comerciales europeos hay una intensa circulación monetaria y de letras de cambio, actividades bancarias (préstamos), etc. El control económico y político está en manos de familias urbanas, como los Medici en Florencia.

A finales del siglo XIII y principios del siglo XIV nace un estilo pictórico que mezcla lo sacro y lo profano, el estilo gótico internacional.

PINTURA GÓTICA EN ITALIA

La pintura gótica italiana es heredera de las formas ornamentales tardorromanas y bizantinas. Permanece un género de pintura conocido como maniera greca. Hay dos escuelas o centros fundamentales: Siena y Florencia. Son dos ciudades-Estado independientes, cada una con su carácter propio.

Escuela de Siena

Su pintura es de tipo bizantino: sus modelos iconográficos, vestiduras orientales, hieratismo. No se buscan técnicas innovadoras. Giunta Pisano (siglo XIII) se dedica a reproducir crucificados, iconos pintados como objetos de veneración. El arte es producto de consumo social: los particulares encargan obras a los artistas. Duccio es el maestro para pintores más jóvenes como Simone Martini. Casi siempre pinta sobre tabla. Su tema preferido es la Virgen con el Niño rodeada de ángeles (Maestad). La perspectiva es inexistente y los ángeles son todos idénticos (estilo estancado). Duccio pinta diversas escenas de la vida de Cristo (Prendimiento, Crucifixión, Descendimiento), con un estilo rígido, inexpresivo e isocefálico. De todas maneras, la pintura de la escuela de Siena es fina y elegante. Otras obras a destacar son La despedida de la Virgen a los Apóstoles y La adoración de los Reyes Magos (el portal de Belén es una cueva), ambas de gran ingenuidad.

Los hermanos Lorenzetti (segunda mitad del siglo XIV), trabajan juntos en Siena. Hacen un trabajo original dentro de su escuela. Pintan un fresco por encargo en el Palacio Comunal de Siena (sede pública del gobierno civil), titulado Alegoría del Buen Gobierno y del Mal Gobierno, como lección de moral cívica. En la escena del Buen Gobierno se presenta un estado ideal para la ciudad, con campos bien cultivados, ganadería próspera y bienestar de la población; los efectos del Buen Gobierno se producen gracias a la acción de la Virtudes (Templanza, Justicia, Paz, etc.) representadas por figuras femeninas bellas y serenas. Aparecen muchos burgueses, ciudadanos retratados cada uno con sus rasgos físicos diferenciados. En la escena del Mal Gobierno se representa todo lo negativo, con cabida plena del tema profano, donde triunfan los Vicios. Los Lorenzetti pintan en la basílica de San Francisco de Asís, donde también hay frescos de Duccio, Simone Martini y Giotto.

Simone Martini es el mejor pintor de la escuela de Siena. Vive entre finales del siglo XIII y principios del siglo XIV. Tiene apego al estilo bizantino en sus tipos iconográficos religiosos (Virgen con el Niño, etc.). Es muy famosa la Virgen de la Anunciación, muy oriental en sus rasgos físicos (ojos rasgados, boca pequeña) y en la rica ornamentación (ropajes lujosos y sinuosa decoración); el Arcángel tiene un dibujo muy cuidado, y muestra una belleza andrógina. En el retrato del Condottiero Guidoricci, Martini realiza un tema militar con paisaje de fondo, pero con muy poca naturalidad. Simone Martini trabajará en Francia para el papa de Avignon (es la época del Cisma de Occidente, cuando hay dos pontífices al mismo tiempo). Allí decora el palacio papal con temas profanos (caza, pesca, caballeros, damas, etc.), fórmula exótica para una Corte papal. Martini se impregna del estilo de la pintura gótica francesa y la funde con las características de la pintura italiana, iniciando así el estilo gótico internacional, caracterizado por personajes con actitudes dramáticas, gusto por la anécdota y el detalle, lujo en los vestidos, etc. Este estilo se proyectará al resto de Europa. Destacan los miniaturistas que producen un arte cortesano (banquetes, caballeros cortejando damas y otros temas de la nobleza). La evolución de este arte llegará a su cumbre con los pintores flamencos del siglo XV.

Escuela de Florencia

En Florencia se inventarán soluciones técnicas nuevas para la pintura, como preludio del Renacimiento. Hay mayor aproximación al naturalismo, escenarios arquitectónicos pintados (ciudades ideales), tímido intento de perspectiva, composición ordenada y proporción.

Cimabue, maestro de Giotto, sigue apegado al primitivismo medieval y bizantino, similar a Duccio (Virgen con el Niño, temas de San Francisco de Asís, etc.).

La gran figura de la escuela florentina es Giotto. Este pintor busca plasmar el volumen, registrar el escorzo en las figuras (cierto movimiento), trata de dotar de una fisionomía particular a cada personajes. El ideal de belleza de Giotto se refleja en rostros redondeados con ojos rasgados. Giotto destaca sobre todo cuando pinta al fresco.

En Padua, Giotto pinta los muros de la capilla Scrovegni por encargo de un poderoso burgués (este personaje aparece retratado arrodillado delante de tres ángeles divinos). Aparece un tema sacado de los Evangelios Apócrifos, La Anunciación a Santa Ana, donde un ángel sale de la pared del interior de una habitación y anuncia a la santa sú próximo embarazo, mientras San Joaquín en el exterior cuida su rebaño de ovejas, en un artificioso paisaje. Otro tema relacionado es San Joaquín y Santa Ana en la puerta de Jerusalem. En la Presentación de la Virgen en el Templo, Giotto experimenta una novedad técnica, una arquitectura pintada: las figuras aparecen dentro de un espacio nuevo, intentando acercarse a la naturalidad; varios pretendientes de María presentan su vara al autoritario Patriarca de Jerusalem. En La matanza de los Inocentes, Giotto logra dar expresividad y dramatismo a la escena. El Bautismo de Cristo es una de las escenas más modernas de Giotto: composición ordenada de los personajes, con Cristo en el centro como eje y un grupo de figuras a cada lado (equilibrio de masas y simetría); hay un audaz intento de reproducir las piernas de Cristo sumergidas en las aguas. La perspectiva y el paisaje siguen siendo deficientes y artificiales, pero muy avanzados para su época.

Giotto pintará por encargo la capilla funeraria de Santa Croce, un convento franciscano. En La muerte de San Francisco el grupo de monjes da volumen a la escena.

Las pinturas más importantes de Giotto son los frescos de la basílica de Asís, con temas como Alegoría de los votos franciscanos o la Natividad (el portal de Belén es una estructura de madera, no una cueva), donde mantiene algunas características bizantinas para interpretar fielmente los textos evangélicos (San José aparece apartado, el parto se produce sin dolor); los pastores asisten a la escena, mientras unos ángeles cantan desde arriba. Los temas principales pintados por Giotto en Asís se refieren a la vida de San Francisco; en una escena, el santo muestra estigmas (las llagas de Cristo). En una iconografía extraña, Cristo aparece con muchas alas como un querubín bizantino. Las escenas son teatrales en el tratamiento de la arquitectura y el paisaje. En una de ella, San Francisco expone en Roma al papa Honorio sus intenciones de crear una nueva Orden religiosa; la arquitectura está muy cuidada, las bóvedas son azules con estrella doradas (símbolo de la realeza); el retrato del papa es expresivo, buscando cierta fidelidad del natural. Hay muchos más temas: San Francisco predicando a los animales, San Francisco regalando su vestimenta a un pobre (el santo se retira al campo para vivir en pobreza extrema, para imitar a Cristo y acercarse mejor a Dios). En San Francisco expulsando a los demonios de Arezzo, Giotto representa un exorcismo multitudinario; sobre el paisaje arquitectónico de la ciudad, con sus edificios y murallas, aparecen los demonios voladores alejándose mientras San Francisco hace triunfar al Bien sobre el Mal.

Hª DEL ARTE. MATERIAL DE ESTUDIO "ARQUITECTURA GÓTICA"

ARQUITECTURA GÓTICA

EL PROTOGÓTICO

El estilo gótico nace dentro del románico, y se empieza a desarrollar casi al mismo tiempo (siglo XII). La escuela de la biología de los estilos piensa que el románico y el gótico son estilos paralelos.

El Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela (1160-1188), obra del maestro Mateo, está trazado según unos criterios fijados en la abadía de Saint-Denis (Francia), con un tímpano central y dos laterales, aparición del arco apuntado y cubierta gótica de bóveda apuntada con nervaduras. En la base del pórtico hay relieves que representan animales extraños y hombres monstruosos; sobre ellos hay figuras dignas: los Profetas Mayores y menores, junto a los Evangelistas, están situados sobre los Vicios. Aparece el tema del Árbol de Jessé (ascendencia humana de Cristo), que humaniza el origen de Cristo (algo extraño en el románico) e indica un cambio de mentalidad. En el parteluz está la figura del apóstol Santiago con báculo de peregrino. En la parte superior, Cristo enseña sus llagas; está rodeado por figuras que reciben su redención (mensaje de bienaventuranza). Otros relieves representan a los 24 ancianos del Apocalipsis, tocando sus instrumentos musicales en honor a Dios. Junto al tímpano central hay escenas con ángeles que transportan niños (almas), acercándose a los redimidos. Separados claramente, en una de las puertas laterales, hay seres diabólicos y desagradables. En el otro arco lateral está el Pueblo Elegido, que todavía no ha llegado al Gran Juicio (pueden ser los Patriarcas -Noé, Abraham, Moisés- que viajan por el Limbo).

Los profetas Jeremías, Isaías, Ezequiel y Daniel (cada uno con su propia fisionomía) están situados a la derecha de la puerta principal (lugar preferencial). Daniel aparece sonriente y sin barba; las figuras están en actitud de conversación.

La iglesia de la abadía de Saint-Denis, cerca de París, marca el origen del protogótico. En el tímpano principal aparece el tema de la Gloria de Cristo. Esta iglesia se superpone a edificios de épocas anteriores (una iglesia carolingia, sustituida después por una iglesia románica). El templo protogótico se construye por iniciativa del abad Suger: tiene cubierta plenamente gótica (bóveda de crucería), doce columnas (simbolizan a los Doce Apóstoles), armazón de contrafuertes, columnas y nervaduras en la girola; la cabecera (1180), aparece muy aligerada e iluminada, con un doble deambulatorio al que se abren capillas radiales. La bóveda angevina en la cabecera es muy propia del primer gótico, presente en edificios cistercienses. Los reyes Capetos de Francia eligen Saint-Denis como lugar de enterramiento (Panteón Real). Los sepulcros del gótico pleno presentan un extraordinario naturalismo, con gran interés por captar los rasgos personales en las figuras.

La Orden del Císter fue considerada responsable de la creación de la arquitectura gótica. El origen de los cistercienses está en la región francesa de Clairvaux. El abad Bernardo de Claraval escribe una epístola al abad de Cluny, Guillermo, denunciando la corrupción de la Iglesia, criticando el enriquecimiento exagerado de los eclesiásticos. Los monjes del Císter visten un hábito blanco y se diferencian diametralmente de los cluniacenses. Las abadías cistercienses se sitúan cerca de fuenes de agua; están muy alejadas de las ciudades (la vida de la ciudad puede corromper al monje). Estos frailes llevaban una vida contemplativa, de oración y trabajo; parten de una austeridad moral y física, pero sus grandes trabajos, obras y cosechas les llegaron a hacer muy ricos. La Orden cisterciense se extendió por toda Europa.

Hay una relación de filiación entre todas las abadías. San Bernardo alaba a la Virgen María; el tema mariano será el preferido de la pintura gótica. Se descubre la parte humana de Cristo y se alaba a su madre.

La arquitectura cisterciense es sencilla: las cabeceras de las iglesias son rectas, sin girola (no son templos de peregrinación); el claustro, junto a la iglesia, tiene una fuente donde se lavan los monjes trabajadores; el refectorio (comedor) presenta un púlpito para un lector, mientras el resto come la rigurosa dieta cisterciense; en la sala capitular se reúnen todos los monjes, para tratar los temas de la Orden (los monjes tienen voz y voto).

En la abadía de Fontenay, filial del Císter, hay una capilla dedicada a la Virgen, hecho que se generalizará en muchas iglesias góticas (en Inglaterra de denominarán Lady Chapell).

CARACTERÍSTICAS GENERALES Y FASES DE LA ARQUITECTURA GÓTICA

La abadía de Saint-Denis marcó las pautas arquitectónicas del gótico. Se impone la verticalidad y la introducción de la luz en el templo. A partir de la bóveda de arista evoluciona la bóveda de crucería de cuatro nervios, más resistente. En la cabecera de Saint-Denis se eleva al máximo la arquería principal, se estrechan los soportes, hay un desarrollo de la galería como sistema de iluminación, y la luz juega un papel unificador del espacio. El abad Suger sentía especial interés por la ideología platónica, transmitida por la obra de Plotino, de una nueva dimensión (se hace de lo inmaterial -la luz- algo material). Así, el cristianismo encuentra un elemento plástico apropiado para dar forma a su arquitectura y su escatología. Según la ideología de Suger, la luz se integra como elemento para imprimir un concepto de belleza por sí mismo, no como una idea maligna, al contrario de la opinión de San Bernardo.

El gótico concibe el edificio como un todo en el que participan por igual arquitectura, escultura y vidriera, lo que traduce una visión sintética y total de la arquitectura en la que colaboran todas las artes.

Algunos éxitos de la arquitectura gótica son:

1. Un mejor conocimiento técnico de la arquitectura y sus principios constructivos.

2. Trabajo de mayor calidad en la cantería de piedra.

3. Utilización de la cal grasa como elemento que permite mejorar la sujeción de los sillares.

4. Una serie de elementos apropiados para soportar grandes pesos (tribuna o triforio, pilares, arbotantes, contrafuertes y pináculos).

5. Se impone el funcionalismo constructivo como concepto fundamental. La arquitectura gótica será dinámica en contraposición a la románica. El muro se reduce a la mínima expresión, y se sustituirá por grandes vanos con vidrieras translúcidas. El tipo de arco será el apuntado.

6. Prevalece la altura sobre la anchura.

A principios del siglo XIII se cambia la alternancia de soportes por un tipo único de soporte (pilar con columnas adosadas), y la bóveda sexpartita es sustituida por la cuatripartita. Se unifica el volumen a través de la utilización repetitiva de elementos horizontales: triforio o tribuna, arquerías y ventanales, trazando una única dirección axial hacia el coro o el altar mayor. Hasta entonces, la nave, el coro, el transepto, las naves y las capillas se habían considerado volúmenes independientes y diferentes; el gótico propugna como inflexión del espacio interno la fusión o integración de los diferentes volúmenes. Como precedente de esta idea se había producido una reacción del románico para solucionar el problema de la fusión de espacios, con el diseño de iglesias de planta de salón (hallenskirchen en Alemania), que eleva al mismo nivel la altura de las naves.

La fachada de las catedrales góticas adopta el tipo normando (con dos torres). El aspecto general del exterior presenta gran verticalidad por la presencia de torres y agujas de piedra, siguiendo la tradición arquitectónica del Sacro Imperio Romano-Germánico. El sistema de arbotantes, que parecen costillas en los laterales del edificio, contribuye a dar una sensación de dinamismo.

La construcción de las catedrales góticas se prolonga en el espacio y en el tiempo; debido a sus enormes proporciones, algunas se empiezan a construir en el siglo XII o XIII, y las obras concluyen en el siglo XVI.

El conjunto iconográfico (relieves de piedra) de la fachada predispone al espectador-creyente para el mensaje ideológico que recibirá en el interior de la catedral.

En el gótico flamígero (fase final del estilo -siglo XV-), la ventana y su desarrollo cada vez más destacado inducirá a que los muros se vean reducidos; los ventanales calados en el ábside, naves laterales, nave central y triforio convierten la estructura en una especie de claraboya. La utilización de vidrieras coloreadas da como resultado la conversión del edificio en una inmensa caja de vidrio, en cuyo interior habrán desaparecido las sombras.

Desde mediados del siglo XIII hasta el siglo XVI se dará una pugna entre el muro y la vidriera, que se resolverá a favor de la última como fruto de una serie de ensayos que van a dar al edificio la apariencia de una maqueta ideal de una construcción utópica, y en este sentido la orfebrería de relicarios y custodias puede considerarse como campo de experimentación o laboratorio de una serie de ensayos estructurales trasladados al campo de la arquitectura de piedra.

Un ejemplo de gótico muy tardío es la portada del Sagrario de la Catedral de Málaga. En sus arquivoltas aparecen las figuras en relieve de los Apóstoles con la Antigua Ley, y en los lados están los Evangelistas con la Nueva Ley. Encima, en un lateral, aparecen los Padres de la Iglesia, y en el centro está la figura del Salvatorum Mundi, con la esfera del poder en la mano. Culminando la fachada están las imágenes de los santos patronos de Málaga. Esta obra, de finales del siglo XV, pertenece al estilo flamígero (conocido como gótico isabelino en la Corona de Castilla), en transición al renacimiento (se usa el arco de medio punto y no el arco apuntado típico del gótico).

ARQUITECTURA GÓTICA EN FRANCIA

De finales del siglo XII (gótico inicial en transición al gótico clásico) son las catedrales de Sens, Noyon y Laon. La catedral de Sens es la sede emblemática de su ciudad, el edificio que le da prestigio. Presenta una gran nave, sin transepto, y deambulatorio sin capillas radiales. Alzado en tres niveles: arquería, triforio y galería de ventanales. Cubierta de bóveda de crucería sexpartita (cuatro nervios fuertes y dos débiles). La catedral de Noyon inaugura el alzado en cuatro niveles. Hay soportes alternantes. Su interior presenta galerías abiertas y muy amplias hacia la nave central, remarcando las líneas de tensión de la estructura a través de divisiones horizontales. Sin embargo, el efecto más llamativo es la creación de una arquitectura ilusionista, compuesta por muros perforados y corredores que se comunican. Hay contrastes violentos de luz y sombras, rasgo estilístico que se perfeccionará más todavía en la catedral de Laon, a través del juego de un único tipo de soportes.

La catedral de Chartres es la primera de las grandes catedrales góticas clásicas francesas del siglo XIII. Surge como símbolo de la voluntad de los ciudadanos. Adquiere toda su dimensión el concepto poético de la catedral como palacio de la Virgen. Esta catedral da un nuevo sentido a las soluciones arquitectónicas de su siglo, integrándolas en un conjunto de gran unidad estilística. El interior se organiza en tres naves jerarquizadas en altura, lo cual no es nuevo, añadiendo además el diseño del alzado en tres niveles (problema solucionado con la inclusión de la tribuna). Se sustituye la bóveda sexpartita por la cuatripartita, anulando la alternancia de soportes, estableciendo una nueva estructura tectónica, el pilar acantonado. En este pilar, la parte que da a la nave central prescindirá del capitel, a favor de una doble cornisa que asegura de forma más plástica e integradora la fusión del soporte con la bóveda principal. En Chartres se aplica el principio gótico de la luz a través de las vidrieras. Los teólogos medievales atribuyeron a todo edificio sagrado el carácter de ciudad de Dios, una Jerusalem celestial que se puede apreciar mejor aún que en las iglesias románicas en las basílicas cristianas primitivas y en las catedrales góticas. En el mundo gótico se intentó resaltar la concepción del espacio arquitectónico como un espacio luminoso. En el espacio gótico, en oposición al románico, ya no es preciso que a la divinidad se le represente como Luz del Mundo, porque son los diversos elementos que intervienen en la iglesia material los que introducen una sensación visual de esa misma divinidad como luz verdadera que ilumina a todo hombre. Esta sensación visual de espacio diáfano o translúcido es creada por la luz, que parece generarse en las propias vidrieras, cuya función iluminadora material se toma secundaria ante la función simbólica que envuelve a toda catedral en un ambiente de mística y realidad. Los fieles que entraban en una catedral se sentían traspasados a otra realidad distinta a la humana; eran partícipes de la contemplación sensible de lo celestial, que se manifestaba principalmente en la luz en los rituales litúrgicos. Los principios de claridad y de aparente contradicción fueron básicos en la configuración de la arquitectura gótica. En su configuración, la catedral gótica clásica encarnaba la totalidad del saber cristiano, teológico, natural e histórico. Disponiendo cada elemento en su lugar conveniente y eliminando todo lo que no haya lugar en su estructura, la catedral gótica tendió a conjugar tipologías procedentes de distintas tradiciones. Se buscó la claridad de formas por más que el afán de esplendor ocultase con decoraciones excesivas el diáfano esqueleto. En Chartres se impone la claridad estructural de elementos constructivos, gracias a una simplicidad decorativa que no oculta la realidad del edificio.

La catedral de Notre Dame de París presenta estructuralmente una nave central flanqueada por dobles naves laterales, que se prolongan tras un transepto de escaso desarrollo con un doble deambulatorio; hay un coro muy prolongado con capillas entre contrafuertes y capillas radiales. Posteriormente, la reivindicación de los gremios, corporaciones y cofradías que financian la construcción provocará que la unidad espacial del templo quede interrumpida en las naves y que al transepto se le añada un tramo más para equiparar anchuras. La cubierta es de bóveda de crucería sexpartita, pero eliminando la alternancia de soportes, que se relega a la hilera de columnas que separa las naves laterales mediante un sistema que combina la columna simple con la columna con columnillas adosadas. En la nave mayor y el coro, las columnas aparecerán coronadas con capiteles, cuya ornamentación se confía a una serie de motivos vegetales (acantos y berros); esta ornamentación deja de lado los capiteles historiados románicos. El alzado de Notre Dame presenta una nave principal con tribuna al igual que Saint-Denis, articulada a partir de un sistema de triples arcos apuntados flanqueados por dobles columnillas y enmarcados por un arco de descarga; en el exterior, los arbotantes ayudan a contrarrestar el empuje de la nave central. La fachada de Notre Dame ofrece un esquema reticular con interesante iconografía: en un tímpano lateral hay relieves que representan El triunfo de la Virgen; en el tímpano central aparece el Pantocrator y El Juicio Final; en el otro tímpano lateral aparece el tema de Santa Ana. En el primer nivel está la galería de Los reyes de Judá. En el segundo nivel hay un gran rosetón central, y a los lados ventanas geminadas con un arco de descarga. En el tercer nivel hay una galería de columnas, y sobre ellas el alzado de las torres.

La catedral de Bourges es un edificio muy original, cuya infuencia se vio contenida sobre el resto de la arquitectura gótica francesa. Esta catedral nos ofrece una disposición espacial articulada a partir de una nave central muy alta, flanqueada por dos naves laterales altas que se unen tras el presbiterio formando una primera girola. Mientras, otras dos naves periféricas más bajas vuelven a encontrarse en una segunda girola, que abraza a la anterior estructura. En Bourges se consigue una catedral de espacio escalonado estructurado a partir de un esquema primordial, consiguiendo una gran verticalidad subrayada por los haces de columnillas adosadas a los pilares. Este esquema se repite a menor escala en las naves laterales. La nave mayor queda dotada de tal autonomía espacial que puede hablarse de una iglesia dentro de una iglesia. El alzado de los muros de las naves presenta hileras de ventanas en distintos puntos y alturas, lo que trae consigo una gran riqueza visual y enorme dramatismo provocado por los diferentes efectos luminosos dentro del edificio.

Las catedrales francesas de mayores dimensiones son las de Reims, Amiens y Beauvais. En ellas refleja la importancia de Chartres en el alzado: tres niveles, pilares con cuatro columnas adosadas, triforio, bóveda de crucería cuatripartita, fachada enmarcada por dos torres y arbotantes de doble vuelo.

La catedral de Reims posee un presbiterio de cinco naves, al que se añade un cuerpo de tres (estructura similar a la de Chartres). Lo más notable de este presbiterio es que hay cinco profundas capillas heptagonales. En el exterior, con un hermoso cuerpo de verticales y horizontales, destaca el primer cuerpo de fachada, con los pórticos que se proyectan hacia fuera con gabletes con rosetas. La decoración en los capiteles continúa sobre las columnillas, dando un efecto de hizontalidad que subraya los soportes de la arquería principal. En Reims parece un nuevo tipo de ventanal con armazón de piedra y más calado. En la fachada se tiende a la fusión de todos los elementos, rompiendo el esquema reticular gracias a la invasión que los gabletes hacen de los sucesivos niveles, provocando contrastes lumínicos. Los tímpanos de las portadas son apuntados; en el central aparece el tema de La Crucifixión.

En la catedral de Beauvais la iluminación se acentúa mejor que en Reims, ya que el triforio no es ciego, sino calado. Este edificio llega a la culminación de la conquista del espacio gótico a través de las dimensiones dadas a la bóveda (48 metros de altura), permitiendo una invasión total de la luz. Beauvais es el más ambicioso de todos los edificios góticos, concebido con las pretensiones de una desmesurada monumentalidad. Lo que hoy se puede ver es únicamente la cabecera y el transepto de un edificio nunca terminado; la nave central proyectada nunca se comenzó, y la enorme torre del crucero de 156 metros de altura se derrumbó en el siglo XVI. El edificio superviviente se mantiene en pie mediante varillas de atado y una doble fila de arbotantes gigantes. En la Edad Media no había teoría de estructuras, por lo que la estabilidad de un edificio no podía predecirse de antemano; la única manera era el ensayo práctico. En Beauvais la búsqueda de mayores alturas sobrepasó los límites de la tecnología medieval (sus constructores fueron demasiado audaces).

En la catedral de Amiens se alcanza el característico concepto gótico de liviandad de la masa. Lleva a su máxima consecuencia la idea de verticalidad gracias a la extrema estilización de su esqueleto constructivo. Los arbotantes aparecen como numerosas costillas, sobre todo en la cabecera, y los contrafuertes están sobrecargados de pináculos. Las gárgolas de la catedral de Amiens son muy originales (el gótico crea un universo fantástico y monstruoso lleno de grifos y demonios).

En la segunda mitad del siglo XIII, los arquitectos ya no pretendían hallar nuevas fórmulas constructivas, sino llegar al límite de las soluciones ya encontradas. Se prefería el refinamiento de los detalles a las concepciones monumentalistas, tal como aparece en la catedral de Troyes, la de Tournai y, sobre todo, la Sainte Chapelle del antiguo Palacio Real de París, donde la planta se simplifica al máximo y se construye una jaula de cristal en la que desaparecen las paredes, sustituidas por el esplendor de las vidrieras.

A finales del siglo XIII, la arquitectura gótica parece haberlo conseguido todo. En los siglos XIV dominan planteamientos decorativos: las catedrales de Tours, Metz, Clermont-Ferrand y Limoges son edificios notables por su exhuberancia ornamental, en particular la tracería de las ventanas. Esta nueva interpretación, conocida como gótico radiante, se vio interrumpida por la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años, reapareciendo en el siglo XV como gótico flamígero, caracterizado por las formas sustentantes cubiertas de elementos decorativos, ventanales calados, abundancia de pináculos y agujas de piedra.

ARQUITECTURA GÓTICA EN INGLATERRA

Desde Francia, el gótico se extendió por toda Europa (Alemania, Países Bajos, España, Italia), pero fue en Inglaterra donde se aplicó con más rigor el modelo francés, al principio. La cabecera de la catedral de Canterbury es típicamente francesa. En poco tiempo el gótico inglés desarrollará su carácter propio y diferente al continental, sobre todo por el origen monástico de muchas catedrales inglesas. Las catedrales francesas suelen levantarse en el centro de las ciudades, con casas apiñadas a su alrededor; las inglesas, con su claustros anexos y edificios secundarios, se situaban en la soledad del recinto de un monasterio. Se da gran importancia a las fachadas occidentales, muy horizontales y con grandes pórticos. Las catedrales inglesas son más sencillas, rectangulares y menos exageradas (no son muy altas y se utilizan menos arbotantes y pináculos); la falta de altura se compensa con la construcción de altas torres don agujas (dos torres en la fachada oeste y una torre en el crucero). Uno de los mayores logros del gótico inglés es el desarrollo espectacular de las bóvedas nervadas de piedra y complejas cubiertas de madera.

Se distinguen tres períodos:

1. Early architecture (siglo XII), de influencia francesa.

2. Decorated style (siglo XIII-XIV).

3. Perpendicular style (segunda mitad siglo XIV-XV).

En las catedrales inglesas se preferirá la disolución de los volúmenes frente a la concentración espacial. El interior de un edificio inglés presentará un número de capillas absidiales reducido, una girola simple, marcada cruz latina, monumentalidad y cierto colosalismo para los soportes del cimborrio, naves relativamente estrechas, claustros y rasgos de origen monástico (sala capitular) y en el exterior la fachada tiene carácter de pantalla (estructura en la que predominan las líneas horizontales y enmascaran el interior del templo). Un ejemplo del siglo XIII es la catedral de Peterborough.

El primer esbozo gótico en Inglaterra se da en la catedral románica de Durham, donde se usa la bóveda de crucería. La construcción de la catedral de Canterbury (finales del siglo XII) introduce el nuevo estilo, además de una serie de planteamientos decorativos labrados en mármol negro de Purve y la individualización de una capilla absidial en la cabecera (Trininy Chapell). La galería del claustro es muy primitiva, de tipo románico, con fustes alternados y arcos de medio punto. En Canterbury trabajan los arquitectos Guillaume de Sens y Guillermo el Inglés. Esta catedral inicia la tradición inglesa del doble transepto (cruz patriarcal), que está presente también en las catedrales de Lincoln, Wells y Salisbury. Ésta última tiene planta similar a la de Canterbury, con una nave central larga y no muy alta, doble crucero con una torre situada sobre el mayor, cabecera plana en la que se inserta una especie de iglesia en miniatura, la capilla de la Virgen (Lady Chapell), bóveda de crucería cuatripartita, claustro y sala capitular adyacentes a la nave lateral meridional.

La abadía de Westminster (finales del siglo XII-principios del siglo XIII) es por razones arquitectónicas y políticas el edificio medieval más importante de Inglaterra, centro de su vida institucional durante casi un milenio. Al igual que la Capilla Palatina de Aquisgrán de Carlomagno, Westminster fue sede del poder temporal y espirirtual de Inglaterra. En Westminster se combinan un palacio (obra civil) y la abadía, constituyendo un símbolo de la unidad de la monarquía y la Iglesia. La sede fue fundada en el año 960 sobre el emplazamiento de una iglesia del siglo VII, siendo reconstruida a fondo en el año 1055, durante el reinado de Eduardo el Confesor, y de nuevo en el siglo XII, período al que corresponde la mayor parte de la construcción. La parte oriental, el transepto y los módulos orientales de la nave central son del siglo XIII, en estilo gótico primitivo inglés; este estilo se imitará en la ampliación de la nave hacia el oeste a finales del siglo XIV. El coro fue remitido hacia dentro y al oeste de la nave para dejar libre el crucero como en Reims, para usarlo como escenario para las ceremonias de coronación. El edificio conserva primitivos rasgos monásticos, incluidos los claustros y los edificios anexos. El templo de Westminster es un ejemplo atípico de gótico inglés a causa de su gran altura, sus complejos arbotantes, su fachada occidental con torres gemelas y ausencia de torre en el crucero. Su extremo oriental también posee forma de ábside, el único que hay en Inglaterra, lo que nos indica que en su diseño nos hallamos frente a un edificio de tipo francés.

La Catedral de Wells comienza a construirse a principios del siglo XIV, en un nuevo estilo propio de la arquitectura gótica inglesa. Al principio, el edificio mostrará gran regularidad geométrica, para más tarde desarrollar complicadas curvas en una rica decoración. Esta catedral presenta una gran torre sobre el crucero. En 1321 se va a poner en práctica una solución original improvisada ante el inminente peligro de derrumbe de la torre del crucero: cuatro enormes arcos suplementarios (arcos en tijera) se colocaron en los pilares principales del crucero, y son un caso único en la arquitectura medieval y la demostración de la imaginación artística de sus constructores, ya que no tenían ningún medio de comprobar de antemano la eficacia de esta estructura.

La catedral de Lincoln es similiar a la de Wells. Las de Ely, Winchester y Gloucester presentan complicadas bóvedas de abanico y estrelladas, trazadas a partir de la crucería. Son característicos los nervios terceletes. La Lady Chapell de la catedral de Ely es una capilla que responde a los principios de un organismo autónomo dentro del templo, cuya planta rectangular es lo único sencillo. Los muros se forman por una serie de arcos conopiales que se interpretan como troncos de árboles ramificados sobre un techo de bóveda de crucería decorativa, cubriéndose todo por un follaje tallado con gran elegancia. El cimborrio de Ely continúa el carácter simbólico otorgado por la mentalidad colectiva a la torre del crucero; la estructura octogonal diseñada y construida en madera por el arquitecto William Hurley da solución al problema de la iluminación, imitando una bóveda de crucería con terceletes con una linterna de iluminación.

Los pilares de la catedral de Exeter tienen una pilastra adosada que sube verticalmente por el triforio, ramificándose en múltiples nervios que se extienden hacia la bóveda formando abanicos o palmeras. La bóveda decorativa de la catedral de Gloucester presenta grupos de nervios que describen una forma de abanico. Estas bóvedas de abanico no tienen valor estructural, sino decorativo.

Desde mediados del siglo XIV, las ampliaciones de las catedrales anteriormente citadas y los nuevos edificios construidos a partir de entonces se construirán en el estilo llamado perpendicular, por la sencilla regularidad del trazado de las ventanas, y el uso ordenado y repetido de ciertos efectos ornamentales para subordinarlos a un esquema global de gran simplicidad. Aunque las soluciones estructurales son sencillas, pueden estar cubiertas con complicados elementos. Son buenos exponentes la Lady Chapell de la catedral de Gloucester, la iglesia de san Jorge de Windsor, la capilla de Enrique VII en la abadía de Westminster (cuyas bóvedas estructurales están ocultas bajo formas colgantes) y la capilla del King´s College, que destaca por sus magníficas cubiertas de madera con formas de abanico (obra de John Wastell).

C.SOCIALES 4ºESO. INSTRUCCIONES TERCER EXAMEN DEL CURSO (TEMA 1 DEL LIBRO)

1º) Ordenar cronológicamente hechos históricos (incluye hechos del tema 1 y del tema anterior -como repaso-):
Carlomagno se corona emperador / Reinado de Justiniano el Grande / Caída del Imperio Romano / Revolución neolítica / Gran Peste Negra / Democracia ateniense (época clásica griega) / Época de las pirámides en Egipto / Paleolítico / Origen de la metalurgia / Nacimiento del Islam / Caída de Constantinopla en poder de los turcos / Llegada de los portugueses a la India / Matrimonio de los Reyes Católicos / Fundación de la Casa de Contratación / Juan Sebastían Elcano finaliza la primera vuelta al mundo en barco / Colón descubre América / Tratado de Tordesillas / Hernán Cortés conquista el Imperio Azteca / Conquista de Granada por los Reyes Católicos

2º) Enumera a los principales descubridores españoles y portugueses de los siglos XV y XVI y describe sus viajes:

3º) Desarrolla el tema El reinado de los Reyes Católicos:

4º) Desarrolla el tema Aztecas, mayas e incas (pueblos precolombinos de Mesoamérica y el área andina):

5º) Desarrolla el tema La conquista de América (la caída de los aztecas y los incas):

6º) Preguntas sobre el tema La América Hispana:

A) Enumera las principales instituciones establecidas por Castilla para gobernar y administrar sus territorios en América:

B) Enumera las razas humanas presentes en la sociedad colonial hispanoamericana, indicando la categoría social lograda por cada una de ellas: